Nosferatu – Der Untote 4K UHD

Als Friedrich Wilhelm Murnau 1922 seinen Gruselfilm Nosferatu, ein Stummfilm in fünf Akten, veröffentlichte, war natürlich klar, dass er sich am Bram-Stoker-Roman Dracula von 1897 bedient hatte, zu dem das kleine Filmstudio aber die Rechte nicht erworben hatte. Ob Murnau und seine Produzenten Dieckmann und Grau seinerzeit geahnt haben, was sie gemeinsam für eine bedeutendes Werk erschaffen würden? Ob ihnen gewahr gewesen ist, was ihr Film für eine (film)kulturelle Relevanz haben würde? Und das unabhängig davon, dass sie durchaus darum wussten, dass sie den ersten Vampirfilm mit einer übersinnlichen Figur als Vampir drehten. Murnaus Version und Schrecks Darstellung erschufen dieses ikonische, sinistre und körperlich etwas deformierte Wesen, das in der Nacht auf Opfersuche geht und im Sonnenlicht vergeht. Nosferatu ist ein Meilenstein des expressionistischen Kinos. Seine verzerrten Schatten, die extremen Hell-Dunkel-Kontraste und die symbolhafte Bildsprache beeinflussten nicht nur spätere Horrorfilme, sondern gleich zahlreiche Genres. Nicht zu unterschätzen, die damals offenkundige psychologische Komponente. Zu seiner Entstehungszeit spiegelte der Film posttraumatische Stimmungen nach dem Ersten Weltkrieg und reflektierte die Ängste vor Krankheiten, vor Fremdem und vor Kontrollverlust. Wenn man bedenkt, dass die Erben von Bram Stoker aufgrund der Urheberrechtsthematik erfolgreich klagten und eigentlich sämtliche Kopien des Films hätten vernichtet werden sollen, wird’s einem aus heutiger Sicht ganz mulmig. Es ist heimlichen Kopien zu verdanken, dass Nosferatu überlebt hat.

Nun wagt sich ein gewisser Robert Eggers an den Stoff. Jener Regisseur, der sich mit gerade einmal drei Filmen (The Witch, The Lighthouse und The Northman) nicht nur eine treue Fanbase erarbeitet hat, sondern auch die Kritik auf seiner Seite weiß. Eggers hatte den Vampirstoff schon als Jugendlicher verinnerlicht und war von Beginn an als Regisseur vorgesehen, nachdem man bereits 2015 von der Neuverfilmung gesprochen hatte. Er nähert sich Murnaus Stoff mit der ihm eigenen Mischung aus cineastischer Ehrfurcht und radikalem Eigensinn. Wie schon bei seinen früheren Filmen The Nortman setzt Eggers auf akribisch recherchierte Authentizität und eine kompromisslos durchdeklinierte Bildsprache. Wie bei Murnau bleibt der Kern erhalten: Ein Mann reist ins Unbekannte, trifft dort auf den unheimlichen Grafen Orlok – und bringt mit ihm das Verderben in die Heimat. Doch während Murnaus Nosferatu durch seine rohe, fast dokumentarische Bildsprache eine unmittelbare Unruhe erzeugte, ist Eggers’ Film ein elegischer Abgesang. Die Kamera von Jarin Blaschke zitiert dabei mit Bedacht die Malerei Caspar David Friedrichs: enge Bildkompositionen, melancholische Vertikale, düstere Landschaften, die eher ein Gefühlszustand als eine reale Welt sind – manchmal ins Expressionistische abdriftend. Das gewählte 1.66:1-Format ist keine Spielerei, sondern betont die Enge, die Isolation, das Eingeschlossensein in einer untergehenden Welt. Eggers greift damit Murnaus Ansatz auf, Horror nicht durch Effekte, sondern durch Atmosphäre zu erzeugen. Die bewusst analog gehaltene Ästhetik, das Spiel mit Licht und Schatten, das gefühlte Knistern des Filmmaterials – all das ruft Erinnerungen an das Kino der 1920er Jahre wach. Doch wo Murnau trotz aller Künstlichkeit emotional berührte – etwa durch Ellen Hutter, die sich opfert, um das Monster zu besiegen –, bleibt Eggers’ Version seltsam kühl. Seine Figuren sind schwer greifbar, die Beziehungen zwischen ihnen von vornherein fast entrückt. Besonders Nicholas Hoults Thomas und Lily-Rose Depps Ellen wirken wie schemenhafte Projektionen – zumal Lily-Rose Depp nicht glücklich besetzt wirkt. Sie mag visuell ins Geschehen passen, doch Szenen mit ihr wirken oft wie eine Karikatur und hangeln sich an einer tendenziellen Lächerlichhkeit entlang.

Eine Lanze breche ich dieses Mal für Bill Skarsgård und seine Darstellung von Orlok. Grotesk, körperlich entrückt, aber nie zur Karikatur verkommend – verleiht er dem Vampir eine neue Qualität: weniger Monster als vielmehr Verkörperung eines zersetzenden Verlangens. Vielleicht liegt’s daran, dass man Skarsgård nur bedingt (oder eher gar nicht) erkennt und damit auch nicht Gefahr läuft, Parallelen zu Stephen Kings ES oder zum furchtbaren Crow-Remake herzustellen. Er ist auf jeden Fall ein großer Gewinn für den Film. Inhaltlich gewinnt Eggers’ Nosferatu durch seine Reflexion über Vergänglichkeit und Schuld. Wie beim Original steht der Vampir nicht nur für Angst, sondern auch für Sehnsucht und Begehren – das Unsagbare. Doch die Entscheidung, Emotionen so weit zu dämpfen, dass sie fast erstarren, mag ästhetisch konsequent sein, erschwert aber die Nähe zu den Figuren. Während Murnau den Schrecken noch mit Poesie verband, verharrt Eggers in klirrender Schönheit. So bleibt Nosferatu 2025 ein faszinierender Film – handwerklich meisterhaft, visuell hypnotisch –, der sich ganz dem Geist des Originals verschreibt, aber dessen Herz nicht ganz erreicht. Der „Extended Cut“ enthält im Übrigen vier Minuten neues Filmmaterial und erweitert dabei zwei Szenen, die bereits in der Kinofassung enthalten waren. Die erste neue Szene zeigt einen Monolog von Graf Orlok, in dem er auf Thomas’ Erzählung über ein Ritual reagiert, das dieser in einer Taverne beobachtet hat – dort hatten Dorfbewohner eine Leiche aus dem Wald ausgegraben und ihr einen Pfahl durchs Herz getrieben. Die zweite Szene zeigt erweiterte Momente der zweiten Nacht und deutet Ellens spätere Entscheidung an, selbst über ihr Schicksal zu bestimmen.

Universal stattet Nosferatu bereits für die Blu-ray mit Dolby-Atmos-Tonspuren für beide Sprachfassungen aus. Und die beginnt vom Start weg atmosphärisch, wenn sich Nosferatus Stimme über alle Speaker legt, nachdem leise Glöckchen um den Zuschauer herum bimmelten und der Wind dynamisch die Vorhänge wehen lässt. Wunderbar auch, wie tief die Stimme des Dunkelfürsten in den Tiefbasskeller hinabreicht. Dynamisch packt dann nicht nur Nosferatu nach drei Minuten zu, sondern auch der Sound, der für 10 Sekunden sämtlichen Marvel-Titeln seit Age of Ultron zeigt, was Kraft und Power sein können. Immer dann, wenn es besonders dramatisch wird, wie bspw. nach knapp 23 Minuten, kommt die Atmos-Tonspur richtig aus sich heraus und füllt das Heimkino mit Wucht. Das Pferdegetrappel bei 25’45 dürfte zum Kräftigsten gehören, was man zuletzt im Heimkino hören durfte. Da auch die Dialoge klar und deutlich sind, gibt’s hier praktisch nichts zu bemängeln. Auf den Heights beginnt’s mit einem Gruselsound nach zwei Minuten, der kurz darauf von den sich dynamisch bis fast zum Enervierenden steigernden Geigen abgelöst wird. Der Score ist es auch immer wieder, der begleitend von oben zu hören ist. Oder auch die Glocke und die Möwen nach fünf Minuten. Beim Regen nach neun Minuten gehöre ich zur Fraktion derer, die das (ohne dass der Regen auf ein Dach oder Ähnliches prasselt) nicht von oben haben müssen. Rein von der Logik her passt das nicht. Ein kurz darauf grollendes Gewitter indes schon. Bis zur ersten halben Stunde ist es dann erneut oft die Filmmusik, die mit ihren flirrenden Geigen öfter von oben hinzukommt. Ist Thomas dann erstmals beim Grafen Orlok, hört man dessen Stimme leise und später röchelnd von oben. Beim Wechsel der Szenerie krächzen dann die Möwen. Nach 42 Minuten flattern dann die Fledermäuse auf und man hört poltern aus den Etagen über Thomas. Geht es sechs Minuten später erstmalig etwas gewaltvoller zu, hört man Grunzen, Schreie und andere Sounds von oben. Nach etwa 75 Minuten hört man mehrfach wieder Wasser spritzen, was hier allerdings visuell mehr Sinn macht als der Regen nach neun Minuten oder auch bei 76’00.

Nosferatu wurde, wen wundert es, bei diesem Film, analog gefilmt (zum Einsatz kamen die Arricam LT und ST), allerdings sorgten hier vor allem auch die verwendeten Objektive für den speziellen Look. Meist schnappte der Verschluss von Vintage Baltar Linsen, die in den 30ern entwickelt wurden, auf den Kameras. Diese lieferten den für Blaschke gewünschten soften Look mit pastellartiger Farbabbildung. Außerdem entschloss man sich im 1,66:1-Format zu drehen – also einem etwas engeren Bild mit seitlichen Balken auf modernen TV-Geräten. Eggers sagt, dass man, wie Murnaus Original, auch in 1,33:1 hätte drehen können. Doch er entschied sich für etwas mehr Weite, die den Landschaftsaufnahmen zugutekam. Gleichzeitig sei1.66:1 aber noch kastig genug, um zeitlos zu wirken(Quelle). Da zahlreiche Szenen nahezu nur bei verfügbarem Licht (teils bei Feuer oder Kerzenschein) nutzte man durchgängig einen recht empfindlichen Farbnegativfilm (Kodak Vision3 500T 5219). Ausgehend von diesem Material wurde der native 4K-Scan bei UPP in Prag vorgenommen. Universal spendierte im Nachgang HDR-Gradings in Dolby Vision und HDR10. Gegenüber der Blu-ray ist auffällig, dass die Farbgebung kaum verändert ist, was bei den nüchternen und entsättigten Farben aber weder verwunderlich, noch nachteilig ist. Die HDR-Scheibe ist zudem etwas dunkler. Aber auch das passt zu diesem speziellen Film natürlich gut. Aufgrund der verwendeten Optiken und der Postproduktion ist die Auflösung nicht exorbitant, aber durchaus sichtbar besser. Oberflächen von Kleidern, Details an Objekten in Räumen oder Schmuck werden detaillierter und plastischer abgebildet. Der größte Vorteil der 4K-Disk ist das Encoding. Die Blu-ray hat immer wieder Schwierigkeiten mit der Körnung und vermatscht sie bisweilen. Das passiert der UHD Blu-ray zu keiner Zeit. Die Körnung wird feiner und wesentlich gleichmäßiger – ergo: filmischer – wiedergegeben. Hier und da wirken Close-ups analog zur Blu-ray etwas weich.