Boogie Nights 4K UHD

Nachdem ich mich zuletzt durch die fragmentarischen Trümmer und das nervenzehrende Klaviergeklimper von Paul Thomas Andersons One Battle After Another gekämpft habe, ist es Zeit für eine cineastische Rückbesinnung. Denn um zu verstehen, warum Anderson heute quasi Narrenfreiheit genießt und warum man ihm selbst sperrigste Experimente verzeiht, müssen wir zurück spulen. Zurück in das Jahr 1997. Zurück zu Boogie Nights. Während der neue Anderson uns emotional auf Distanz hält, ist Boogie Nights eine warme, wenn auch tragische Umarmung. Es ist der Film, der den damals blutjungen Regisseur zum Wunderkind machte und ihn als legitimen Erben von Robert Altman etablierte. Pünktlich zum aktuellen PTA-Hype gibt es sein Frühwerk nun frisch restauriert im Heimkino. Und es ist die perfekte Gelegenheit, noch einmal in eine Ära einzutauchen, in der das Filmemachen noch eine gewisse Unschuld besaß. Und das, obwohl es um Pornographie ging. Anderson hat diesen Film nicht einfach “gemacht”, er hat ihn gelebt. Schon als Teenager war er interessiert an der Figur des John Holmes, dem Pornostar mit dem wohl berühmtesten Einsatzwerkzeug des Genres. Basierend auf seinem eigenen Kurzfilm The Dirk Diggler Story und inspiriert von der Doku Exhausted, schuf Anderson ein Epos, das weit über eine bloße Biografie hinausgeht.

Er macht aus Holmes den fiktiven Dirk Diggler (Mark Wahlberg in der Rolle seines Lebens). Eddie Adams, so Dirks bürgerlicher Name, ist ein naiver Tellerwäscher, der vor allem eines will: gesehen werden. Er will ein Star sein, hell und leuchtend. Dass sein Ticket zum Ruhm nicht sein schauspielerisches Talent, sondern seine anatomische Anomalie von angeblich 33 Zentimetern ist, spielt für ihn keine Rolle. Anderson inszeniert das aber nicht als schlüpfrigen Herrenwitz, sondern als klassische “Rise and Fall”-Geschichte, die sich tief vor Martin Scorseses GoodFellas verneigt. Nur werden hier (zunächst) keine Morde begangen, hier sind Körperflüssigkeiten und Zelluloid die Währung. Interessant ist dabei, was Anderson weglässt: Die reale Vorlage John Holmes war später in die brutalen Wonderland-Morde verwickelt. Anderson blendet diesen Horror bewusst aus. Ihm geht es nicht um True Crime, sondern um den Zerfall einer (Ersatz)Familie. Wir befinden uns im “Golden Age of Porn”. Nach Deep Throat war Schmuddel plötzlich schick. Man ging ins Kino, nicht in die Kabine. Darsteller verdienten Unsummen – im Falle von Holmes bis zu 3000 Dollar pro Drehtag. Eine damals unanständig hohe Summe. Anderson zeigt uns diese Welt mit einer nüchternen, fast desillusionierten Sachlichkeit, die im krassen Gegensatz zu den knallbunten 70er-Jahre-Outfits steht. Sex ist hier Arbeit. Mechanisch, routiniert, unromantisch. Der emotionale Kern des Films liegt hinter den Kulissen. Die Villa von Regisseur Jack Horner wird zum Zufluchtsort für gestrandete Seelen. Menschen, die von der bürgerlichen Gesellschaft ausgespuckt wurden, finden hier eine neue, dysfunktionale, aber liebevolle Familie. Anderson zeichnet dieses Sittengemälde mit einer Empathie, die in seinem aktuellen Werk One Battle After Another etwas fehlt. Er verurteilt nicht, er beobachtet – mal mit sanfter Satire, mal mit tiefem Mitgefühl.

Apropos Burt Reynolds: Seine Performance als Pornoregisseur Jack Horner, der davon träumt, Kunst zu schaffen, ist das Herzstück des Films. Es war sein großes Comeback, es brachte ihm den Golden Globe und eine Oscar-Nominierung. Die Ironie an der Geschichte ist allerdings bezeichnent: Reynolds konnte den Film nie leiden, sah nur einen Rohschnitt und feuerte danach seinen Agenten, da er ihm zu der Rolle geraten hatte. Er konnte mit dem jungen Schnösel Anderson nichts anfangen und hat sich den fertigen Film nach eigener Aussage nie angesehen. Doch genau diese Spannung zwischen dem alten Hollywood-Haudegen und dem jungen Wilden überträgt sich auf die Leinwand. Reynolds verleiht Horner eine tragische Würde, die man so von ihm selten gesehen hat. Flankiert wird er von einem großartigen Ensemble: Julianne Moore als zerbrechliche Mutterfigur Amber Waves, Heather Graham als dauerrollendes Rollergirl und natürlich der schmerzlich vermisste Philip Seymour Hoffman als verklemmter Tonmann, dessen unerwiderte Liebe zu Dirk in einer der fremdschämigsten und zugleich traurigsten Szenen des Films gipfelt. Für die Technik-Nerds und Cineasten unter uns bietet Boogie Nights noch eine weitere Ebene: Den Tod des Films durch das Video. Der Streifen ist strikt zweigeteilt. Die 70er sind ein Rausch aus dynamischen Kamerafahrten, rauschartigen Erlebnissen und warmen Farben. Doch mit dem Wechsel in die 80er wird alles kühler, härter und hässlicher. Jack Horner, der sich als Künstler auf 35mm versteht, muss sich dem billigen Videoband beugen. Anderson inszeniert diesen Medienwechsel als echte Tragödie. Video ist billig, Video sieht furchtbar aus, Video tötet das Handwerk. Wenn Horner widerwillig akzeptiert, auf Magnetband zu drehen, stirbt ein Teil seiner Seele. Anderson, selbst ein analoger Purist (siehe das genutzte VistaVision bei seinem aktuellen Film), setzt hier dem klassischen Filmemachen ein Denkmal. Das “Goldene Zeitalter” endete nicht durch Moralgesetze, sondern durch VHS. Und dann ist da noch dieser Soundtrack. Im Gegensatz zu Jonny Greenwoods nervösem, atonalem Hämmern in One Battle After Another, das mich stellenweise in den Wahnsinn trieb, ist die Musik in Boogie Nights der emotionale Herzschlag. Von “Best of My Love” bis zu “Sister Christian” oder Jethro Tulls “Fat Man” – jeder Song sitzt perfekt. Die Szene beim Drogendealer, in der permanent Knallfrösche explodieren, während im Hintergrund Night Rangers Power-Ballade läuft, ist ein Meisterkurs in Sachen Spannungsaufbau. Hier greifen Bild, Ton und Musik so perfekt ineinander, dass man fast vergisst zu atmen.

Boogie Nights lieferte über die alte Blu-ray eine Dolby-Digital-Tonspur fürs Deutsche und eine True-HD-Fassung für den O-Ton. Der deutschen Tonspur fehlt es allerdings spürbar und hörbar an Dynamik, was die Dialoge und den hauptsächlichen Kanal, den Center angeht. Hier liefert die englische Fassung hörbar mehr Laut-Leise-Spreizung und sorgt deshalb für mehr Freude am Gesamtgeschehen. Auffällig ist zudem, dass der O-Ton die Stimmen strikt von den Musikanteilen getrennt hat, wenn man sich die Wiedergabe aus dem Center anhört. Die Musik kommt indes nur über die Mainspeaker und (etwas) über die Surrounds, während bei der Synchro die Stimmen auch noch in die Hauptlautsprecher übersprechen und die Musik sehr deutlich auch auf dem Center liegt. Im Resultat wirkt das weniger differenziert, bietet aber mehr Präsenz bei der Musik. Was einem besser gefällt, ist vielleicht Geschmackssache, nicht aber die genannte geringere Dynamik des dt. Tons. Einzig im Tiefbass hat die deutsche Spur etwas die Nase vorn, da der O-Ton hier praktisch keinerlei Möglichkeit nutzt, die Musik entsprechend zu unterstützen. Da gibt’s für die Synchro etwas mehr Bums an 2-3 Stellen.

Boogie Nights wurde mit drei unterschiedlichen Kameras gedreht. Zum Einsatz kamen die Moviecam Compact sowie die Panavision Panaflex Gold und Gold II. Das Ausgangsmaterial war 35 mm, wovon für die 4K-Disk aber kein frischer 4K-Scan angefertigt wurde – jedenfalls nicht vom Original Kameranegativ. Wahrscheinlicher ist eine Digitalisierung eines Interpositivs, was bei Anderson stets die bevorzugte Ausgangsbasis für die digitalen Heimkinoveröffentlichungen seiner Filme war. Eine auf einem Negativ-Scan basierende 4K-Disk wäre schärfer und knackiger, während eine Reproduktion von einem Interpositiv ein weicheres, mehr dem entsprechendes Bild zeigen würde, das man auch in den Kinos gesehen hat. Zudem weniger körnig und eben softer. Und das sieht man durchweg auch der 4K-Disk an. Sie ist nicht knackscharf, wie man es bei einem Scan vom OCN erwarten könnte. Durch das Fehlen einer Nachschärfung wirkt sie oft sogar weniger “knackig” als die BD, was bei der Blu-ray indes ein künstlich erzeugter Trugschluss ist. Die Körnung ist hier ebenfalls nicht allzu präsent und auch die UHD scheint noch etwas gefiltert worden zu sein. Da der Bildausschnitt und vor allem die Proportionen nicht identisch zu dem der Blu-ray sind, wurde hier definitiv Hand angelegt – und das teils sehr deutlich. Das sieht man auch dem Grading (hier nur in HDR10 vorliegend) an, das bedeutend verändert auftritt. Vom alten Magenta-Stich und den kühlen Farben geht es nun in wesentlich wärmere, braunbetonte Gefilde. Das mag zunächst verwirren, wer das alte Bild gewohnt ist, allerdings passt es weit besser zum 70er-Jahre-Porn-Chic-Flair. Man sollte also wissen: Hier gibt’s kein superscharfes, maximal analoges Bild, sondern eher eine softere, nicht ganz so körnige, aber immer noch filmische Variante des Films, die farblich weit mehr ins Braun- und Bronzefarbene geht.