Quigley der Australier 4K UHD

In den Achtzigern war Tom Selleck ein echter Publikumsmagnet. Doch bevor er mit Cowboyhut und Gewehr durch Australien ritt, stand er an einem ganz anderen Scheideweg in seiner Karriere. Tatsächlich war Selleck ursprünglich die erste Wahl für die Rolle des Indiana Jones. Steven Spielberg und George Lucas waren von ihm begeistert, die Tests waren hervorragend und das Studio wollte ihn. Doch dann kam die vertragliche Realität. Denn Selleck stand kurz davor, für die Serie Magnum unterschrieben zu haben. Sein Vertrag verpflichtete ihn exklusiv für die Serie und untersagte größere parallele Filmprojekte. Obwohl Magnum zu diesem Zeitpunkt noch nicht einmal in Produktion gegangen war, bestand CBS auf der Einhaltung der Vereinbarung. Selleck saß also auf einer Rolle, die sein Leben hätte verändern können, durfte aber nicht. Ironischerweise verzögerte sich die Produktion von Magnum anschließend einige Monate, sodass er theoretisch Zeit für Indiana Jones gehabt hätte. Heute ist das eine der großen Hollywood-Anekdoten über verpasste Chancen. Diese berufliche Verzahnung erklärt auch, warum Quigley Down Under für Selleck ein Herzensprojekt war. Das Drehbuch existierte schon lange. Tatsächlich zirkulierte es seit den späten Siebzigern durch Hollywood und galt als ambitionierte Mischung aus Western, Abenteuerfilm und australischem Nationalepos mit politischer Note.

Mehrere Studios hatten Interesse gezeigt, doch das Projekt blieb immer irgendwo stecken. Erst Ende der Achtziger, als Selleck durch Magnum weltberühmt war und aktiv nach Filmen suchte, die seinem Image einen neuen Dreh geben konnten, bekam Quigley endlich grünes Licht. Das erklärt auch, warum der Film eine so klare Ehrlichkeit und einen fast romantischen Abenteurer-Ton trägt. Man spürt, dass hier etwas umgesetzt wurde, das lange reifen durfte. Und Tom Selleck spielt Matt Quigley mit einer Mischung aus Erfahrung, stoischer Präzision und Wärme. Man merkt, wie viel Leidenschaft in dieser Rolle steckt. Seine Figur wirkt nicht wie der übliche schweigsame Westernschütze, sondern wie ein Handwerker mit Herz und Haltung. Laura San Giacomo ist neben König-Selleck die heimliche Königin der Show. Ihre Crazy Cora ist verletzlich, witzig, unberechenbar und nie bloß Beiwerk. Sie bringt Energie und Tiefe, die dem Film guttun. Alan Rickman, zwischen Stirb Langsam-Hans-Gruber und Robin-Hood-Sheriff-von-Nottingham legt zu guter Letzt einen derart widerlichen Bösewicht aufs Parkett, dass man ihn jederzeit selbst gern unsanft vom Pferd holen möchte.

Filmisch ist Quigley, der Australier ein Film mit zwei Herzen. Einerseits klassisches Westernkino mit staubtrockenen Weiten, kernigen Typen und sauber inszenierten Actionszenen. Andererseits steckt darin ein ernst gemeinter Versuch, koloniale Gewalt sichtbar zu machen und moralische Reibung zu erzeugen. Simon Wincer inszeniert das Outback einerseits mit großen, offenen Bildern, und David Eggby holt eine Weite aus dem Material, die körperlich spürbar wird. Besonders stark sind aber die ruhigeren Szenen rund um das Aboriginal Camp. Dort gewinnt der Film eine Aufrichtigkeit, die man so früh in den Neunzigern kaum erwarten würde. Denn thematisch versucht Quigley, koloniale Gewalt nicht einfach zu bebildern, sondern ihren Schrecken erfahrbar zu machen. Natürlich bleibt der Blick oft ein weißer Blick von außen. Die Aboriginals werden nicht als gleichberechtigte Figuren erzählt, sondern als Teil einer Lehrstunde für die Hauptfigur. Positiv hervorzuheben ist aber, dass Quigley, der Australier nicht in die damals noch weitverbreiteten kolonialromantisierenden Fallen tappt. Die Gewalt und Entrechtung, die die indigene Bevölkerung durch europäische Siedler erlebte, werden im Film klar benannt. Wincer zeigt offen die Brutalität, mit der Landeigentümer ihre Macht durchsetzten und dabei die traditionellen Lebensweisen der Aboriginals zerstörten. Dass Quigley sich unmissverständlich gegen diese Gräueltaten stellt und die Aboriginals als eigenständige Kultur mit spiritueller Kraft und tiefem Gemeinschaftsverständnis zeigt, war für die Zeit ein starkes Statement. Die Szenen, in denen Quigley gewissermaßen in die Welt der Aboriginals aufgenommen wird, gehören zu den stärksten Momenten des Films. Man merkt, dass die Produktion bemüht war, zumindest ein respektvolleres Bild zu zeichnen als viele andere Filme vorher. Dennoch bleibt aus heutiger Sicht natürlich Raum für Kritik. Vieles bleibt aus westlicher Perspektive erzählt und die Komplexität der Aboriginal Kulturen wird nur angedeutet. Dennoch: Diese vertiefte thematische Auseinandersetzung verleiht dem Film bis heute seine besondere Note. Quigley, der Australier ist nicht einfach nur ein Down-Under-Western. Es ist ein Film über Identität, Machtmissbrauch, kulturelle Begegnung und moralische Haltung. Und gerade weil er so lange in der Entwicklung war und schließlich von jemandem getragen wurde, der mit echter Leidenschaft dabei war, wirkt er bis heute überraschend zeitlos.

Warum der Film an der Kinokasse versandete, ist leicht erklärt. Das Budget lag grob um die zwanzig Millionen Dollar, eingespielt wurden kaum mehr als einundzwanzig. Die Kritiken waren nicht positiv, um einen Hype zu erzeugen. Und das Timing war miserabel. Praktisch zeitgleich mit Costners Der mit dem Wolf tanzt war das Interesse am großen Western-Drama einfach gedeckt. Zudem tat sich die Vermarktung schwer, weil der Film weder reiner Abenteuerstoff noch ernstes Historienstück war. Für viele Zuschauer war’s scheinbar zu viel dazwischen. Handwerklich dagegen überzeugt der Film besonders. Über Eggbys Kameraarbeit haben wir bereits kurz gesprochen. Herausragend ist aber auch die Filmmusik von Basil Poledouris. Er steuert einen Score bei, der Abenteuer spürbar macht, ohne martialisch zu werden. Man fühlt sich an die leichten Kompositionen von Die glorreichen Sieben erinnert und bekommt über den Score viel von der Tonalität des Films vermittelt. Action und Schusswechsel wirken geerdet, schwer und gefährlich. Wincer legt zudem einen Schwerpunkt auf die akkurate Darstellung der Waffen und wie sie benutzt werden – mit besonderem Fokus auf Quigleys imposante Sharp-Flinte. Ihre Optik, Mechanik und enorme Reichweite lassen diese sie zu einem eigenen Charakter werden. Auch dass Quigley sein Gewehr wie selbstverständlich für andere Zwecke einsetzt, zeigt die enge Beziehung des Helden zu seinem Handwerkszeug. Eine wohltuende Besonderheit der Inszenierung ist, dass Wincer den Gebrauch von Waffen, bei aller Akribie der Darstellung, nicht glorifiziert. Waffen waren notwendig, um sich und die Menschen, die einem etwas bedeuteten, zu beschützen. Beispielhaft ist eine Szene, in der Cora sich und ein Baby gegen angriffslustige Dingos mit einem Colt verteidigen muss. Hier inszeniert Wincer den Ablauf des Schießens und seine Folgen als einen brutalen und mechanisch schwer durchzuführenden Akt auf Leben und Tod. Kleine kontroverse Randnotiz: Entgegen der differenzierten Darstellung der Waffennutzung im Film ist Tom Selleck seit seinem achten Lebensjahr Mitglied in der National Rifle Association (NRA) und war zwischen 2005 und 2018 in deren Vorstand aktiv. Nachdem sein Freund Charlton Heston von diesem Posten zurückgetreten war, übernahm er sogar auch die Rolle des NRA-Sprechers.

Die Blu-ray von Quigley der Australier liefert(e) eine deutsche und englische PCM-Tonspur in 2.0 sowie einen DTS-HD-Master-Ton in 5.1 exklusiv für die Synchro. Während die PCM 2.0-Fassung recht annehmbar klingt und die Dialoge gut verständlich, vielleicht ein wenig überpräsent in den Hochtonanteilen, liefert, hinkt der Sync gelegentlich ein wenig. Ab und an meint man auch leichte Artefakte einer Rauschminderung zu hören. Schön hingegen ist die Stereoräumlichkeit, wovon vor allem der Score profitiert. Der 5.1-Ton allerdings klingt muffig, belegt und absolut nicht offen. Auch Dynamik sucht man hier meist vergeblich. Hört man sich die Schüsse nach 21’30 an, so fehlt es ihnen an Präsenz, Druck und Räumlichkeit. Das Ganze wirkt wie etwas lustlos zusammengeschusterter Upmix und macht nicht wirklich Spaß.

Kameramann David Eggbys nahm den Film mit Panavision-Kameras auf 35-mm-Analogfilm auf. Die verwendeten Optiken waren anamorphotisch und das Bildseitenverhältnis lag bei 2,35:1. Ausgehend von dem Material wurde für die 2024er 4K-Disk von Shout Factory ein frischer 4K-Scan durchgeführt, der auch als Basis für Capelights-4K-Veröffentlichung diente. Obendrauf gab’s für die Scheibe HDR10 und Dolby Vision sowie einen im Rahmen von Rec.2020 erweiterten Farbraum. Herausgekommen ist eine ganz wunderbare UHD Blu-ray. Die 4K-Disk präsentiert Quigley deutlich organischer, mit wunderbar feiner Auflösung der Körnung im Himmel oder auf den staubigen Pfaden entlang des Wegs. Prächtig rot ist bereits Quigleys Halstuch, was aber noch von den Rotröcken übertroffen wird, die nach elf Minuten anreiten. Deren Uniformjacken knallen förmlich vor dem ansonsten braundominierten Hintergrund hervor. Kein Vergleich mehr zur eher entsättigten BD. Der Himmel ist überdies kräftig blau und leuchtet bisweilen regelrecht. Die gut gebräunten Gesichter werden kräftig wiedergegeben und helle Elemente leuchten im Angesicht von HDR10 und Dolby Vision förmlich. Klasse auch die Detailtiefe beim Anblick der Hausdächer nach 16 Minuten, auf denen man fast jede Schindel einzeln erkennen kann. Sichtbar auch: das Fehlen von Nachschärfungsartefakten und Schmutzpartikeln sowie die nun korrekte, in der Vertikalen gegenüber der BD gestauchte, Bildgeometrie. Gelegentlich geht’s mit dem Kontrast in dunkleren Szenen mal ein wenig in die Knie und die Durchzeichnung geht etwas verloren (25’02). Außerdem sind einige Einstellungen schon ausgangsseitig nicht sehr scharf. Kein Problem der Disk, sondern eher eins der verwendeten Optik oder dem nicht perfekt sitzenden Fokus (7’35). Das gilt auch für die Randunschärfen, die stellenweise auftauchen und aufgrund der anamorphotischen Objektive entstanden sind.

Gegenüber der Blu-ray bietet die UHD Blu-ray von Quigley der Australier nun eine neu abgemischte DTS-HD-Master-Tonspur in 5.1, während der 2.0-PCM-Ton im Grunde identisch ist, aber an einigen Stellen etwas besser im Sync erscheint. die neue 5.1-Fassung klingt schon während der Filmmusik zu Beginn wunderbar. Die Surroundatmosphäre ist von Anfang an toll, wenn bspw. die Möwen links und rechts kreischen. Die Schüsse nach 21:30 sind phänomenal räumlich und klingen dazu auch wirklich gut. Immer wieder verhallen sie unglaublich authentisch durch das Outback und sorgen für eine tolle Atmosphäre. Das ist um Welten besser, räumlicher und immersiver als über die dagegen ziemlich fad klingende alte 5.1-Fassung der Blu-ray. Auch Dynamik darf man hier auch attestieren – beispielsweise beim Schuss nach 57’45. Was Capelight hier wieder abgeliefert hat, ist ganz wunderbar. Selbst wenn Stimmen gelegentlich immer noch etwas dünn klingen. Während auch der englische 5.1-Ton klingt, als hätte man hier noch mal Hand angelegt, ist dessen 2.0-PCM-Pendant identisch zu jenem der Blu-ray.