Die glorreichen Sieben [1960] 4K UHD

John Sturges’ Die glorreichen Sieben von 1960 ist mehr als nur ein starbesetztes Remake von Kurosawas Die sieben Samurai. Er definierte den Ensemble-Film neu und legte den Grundstein für den modernen Action-Western. Die glorreichen Sieben ist einer jener Western, die in jeder Dekade neu verhandelt zu werden scheinen. John Sturges’ Film von 1960 ist ein perfektes Stück Hollywood-Kino, das die philosophische Tiefe seines japanischen Originals mit einer starbesetzten, coolen Attitüde und dem staubigen Charme Mexikos auflud. Wo Akira Kurosawas Die sieben Samurai ein Ehrfurcht gebietendes Epos über die Auflösung feudaler Strukturen war, ist Sturges’ Werk eine präzise Revolver-Oper und ein Manifest des amerikanischen Freiheitsdrangs, das seine Laufzeit über keine Sekunde langweilig wird. Die Geschichte ist auf das Wesentliche heruntergebrochen und die Übertragung des Stoffs vom Japan des 16. Jahrhunderts in den Wilden Westen ist so organisch und intelligent gelungen, dass der Film für sich selbst steht. Dabei bleibt der zentrale Konflikt erhalten: Wie überzeugt man Männer, die ihr Leben als Einzelgänger verbringen, sich für eine Gemeinschaft aufzuopfern, die ihnen fremd ist? Die Unterschiede der beiden Filme liegen in der Geschwindigkeit und der Psychologie. Kurosawa ließ sich Zeit für die psychologische Entwicklung jedes einzelnen Samurai und ihrer Interaktion mit den Bauern. Sturges, der die Spielzeit von dreieinhalb (Originalfassung) Stunden auf etwas mehr als zwei komprimierte, musste auf Effizienz setzen. Die Charaktere werden hier weniger durch ausgedehnte Dialoge, sondern vielmehr durch ikonische, kleine Szenen definiert: Coburns stoische Lässigkeit, wenn er einen Herausforderer mit einer einzigen Messerbewegung zur Strecke bringt, Bronsons sanfte Seite, wenn er den Kindern der Dorfbewohner beibringt, dass sie nicht mit dem Messer werfen dürfen, und ihnen stattdessen den Mut ihrer Väter vor Augen führt. Diese Momente sind es, die die psychologische Tiefe des Films ausmachen. Die Sieben sind keine reinen Helden. Sie sind Söldner, die vor ihrer eigenen Vergangenheit fliehen und im Kampf für die Schwachen einen Augenblick der Selbstachtung finden.

Die größte Stärke und gleichzeitig ein Risiko des Films war die Besetzung. Die glorreichen Sieben wurde zu einer Art Blaupausen-Projekt für den modernen Ensemble-Actionfilm. Sturges versammelte eine Riege von Schauspielern, die entweder bereits Stars waren (Yul Brynner, Eli Wallach) oder auf dem Sprung zur Legende standen (Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn). Der eigentliche Coup war aber das Zusammenspiel zwischen Yul Brynner als kühlem Anführer und Steve McQueen als sein lässiger, unberechenbarer Schatten. Es gibt Gerüchte/Anekdoten, dass McQueen, der es leid war, sich Brynners Dominanz am Set zu beugen, alles daran setzte, seinen Co-Star in jeder gemeinsamen Szene zu überstrahlen. Ob er nun unnötig mit einem Strohhalm spielte oder ständig seinen Hut verschob. Diese spürbare, elektrisierende Rivalität zwischen den beiden Leinwand-Ikonen verleiht dem Film eine zusätzliche, ungeskriptete Spannung, die das Publikum bis heute fesselt. Robert Vaughn als traumatisierter Lee brachte eine nervöse, zerbrechliche Note ins Team, während Charles Bronson als wortkarger Kaldera die emotionale Mitte des Ensembles bildete. Für das internationale Publikum in Europa und insbesondere für den deutschen Westernfan spielte die Besetzung des jungen, aufbrausenden Chico mit Horst Buchholz eine besondere Rolle. Buchholz war damals bereits ein gefeierter Star des europäischen Kinos, insbesondere durch Filme wie Monpti oder Das Totenschiff. Seine Besetzung in einem so prominenten US-Western war Teil einer Strategie von Hollywood, europäische Talente für den US-Markt zu erschließen. Buchholz integrierte sich mit seiner jugendlichen, fast naiven Energie in das ansonsten abgebrühte amerikanische Ensemble. Chico, der jüngste der Gruppe, ist derjenige, der am meisten nach einem Platz in der Welt sucht und sich von der scheinbaren Coolness der älteren Revolverhelden angezogen fühlt. Er dient als emotionaler Katalysator und als Identifikationsfigur für das junge Publikum. Buchholz’ Schauspiel ist dabei nicht so stoisch wie das von Brynner oder McQueen, sondern leidenschaftlicher und impulsiver, was die kulturellen Unterschiede seiner Figur im internationalen Cast betont und ihn zu einer unverzichtbaren Ergänzung macht. Er war der einzige, der am Ende des Films im Dorf blieb und damit die Hoffnung auf eine Zukunft jenseits des Söldnerlebens verkörperte.

Ästhetisch setzte Sturges auf weite, sonnenverbrannte Landschaftsaufnahmen der mexikanischen Wüste, die einen starken Kontrast zu den engen, staubigen Gassen des Dorfes bilden. Kameramann Charles Lang nutzt Weitwinkel in den Außenaufnahmen und enge Räume im Training. Das Terrain wird auf diese Weise selbst zum Charakter. Der Film ist dabei weniger stilisiert als die späteren Arbeiten eines Sergio Leone, sondern verfolgt einen klassischen, klaren Hollywood-Ansatz in der Bildsprache, der die Choreografie der Action in den Vordergrund stellt. Herzstück des Films und entscheidend für seine Legendenbildung ist zudem die Musik von Elmer Bernstein. Seine Partitur ist ein Triumph und gehört zu den berühmtesten und mitreißendsten Soundtracks aller Zeiten. Die Hauptmelodie, eine marschierende, fanfarenartige Komposition mit prominenten Hörnern und Streichern, ist untrennbar mit dem Gefühl von Abenteuer und dem heroischen Aufbruch verbunden. Bernstein gelang es, das Gefühl des amerikanischen Westerns auf eine Weise einzufangen, die gleichzeitig modern und zeitlos wirkte. Die Musik treibt die Action nicht nur voran, sie definiert die Charaktere und verleiht den scheinbar simplen Söldnern eine epische Note. Die Action selbst, insbesondere die finale Schlacht um das Dorf, war wegweisend. Sie ist schnell, dynamisch und überraschend brutal für die damalige Zeit. Im Gegensatz zu vielen Western des Goldenen Zeitalters zeigt Sturges, dass die Gewalttätigkeit des Kampfes Konsequenzen hat: Die glorreichen Sieben sind verwundbar, und nicht jeder wird überleben. Die Inszenierung der Schießereien, insbesondere die Taktik und die Verteilung der Aufgaben im Team, die sorgfältig getimten Abläufe, in denen Kamera und Raum Wissen um Taktik und Gefährdung transportieren, waren innovativ und dienten als Blaupause für viele spätere Action- und Kriegsfilme. Trotz aller Verdienste ist Die glorreichen Sieben nicht ohne Mängel: Er bleibt manchmal flach, verglichen mit Kurosawas moralischer Komplexität; einige Figuren erhalten nur fragmentarische Innenleben; die Dichte der menschlichen Tragödie ist schlichter. Manchmal wirkt die Heroisierung der Revolverhelden zu sauber: Der Film bereinigt die Dreckigkeit, während Kurosawa sie insistierend zeigt.

Die alte Blu-ray von Die glorreichen Sieben besaß einen 5.1-Mix für die deutsche Synchro. Das, was man dort bisher hören durfte, war zwar ein Mehrkanal-Upmix, aber ein ganz furchtbarer. Vor allem die Dialoge klangen unterirdisch. Sie waren blechern, dünn und mitunter extrem verrauscht. Die allermeisten Stimmen klingen außerdem massiv komprimiert, gequetscht und regelrecht unangenehm unterdrückt. Lediglich die Filmmusik ist bisweilen anhörbar. Allerdings kommt hinzu, dass die Synchro in der falschen (zu tiefen) Tonhöhe vorlag, da man beim Wechsel auf die 24p-Blu-ray die auf 25 fps gemasterte Tonspur nicht korrigierte.
Da mir die neue Blu-ray nicht zur Verfügung stand, gibt es die Tonbewertung unten im Kapitel “Bild und Tonqualität UHD” unterhalb der Screenshotvergleiche.

Die glorreichen Sieben wurde von Charles Lang mit Panavision-Kameras und mit anamorphotischen Linsen aufgenommen. Um die harschen Lichtbedingungen der Tageslichtszenen in der mexikanischen Wüste etwas abzumildern, nutzte er (lt. einem Interview im American Society of Cinematographers) “nets and haze for balance”, wobei “nets” für feinen Tüll oder Seidengewebe steht und “haze” für Staub, der bewusst eingesetzt wurde, um die harschen Lichtkontraste zu brechen und das Bild weicher zu gestalten. Entsprechend muss dies auch bei der Bewertung der Auflösung einfließen, da dieses Mittel dazu beiträgt, dass der Film nie wirklich ultrastark aufgelöst ist. Ausgehend von dem Material hatte der US-Anbieter Shout Factory 2022 unter Verwendung eines bereits vorhandenen 4K-Scans des Originalkameranegativs eine Restaurierung und Farbkorrektur vorgenommen. Inwiefern “bereits vorhanden” auf einen Zeitraum deutlich vor 2022 zurückdatiert werden kann, ließ sich leider nicht feststellen. Capelight nutzte dieses 4K-Basismaster nun und ließ das Ganze mit HDR10 und Dolby Vision graden. Natürlich inkl. eines im Rahmen von Rec.2020 erweiterten Farbraums. Und kaum beginnt der Film, entfährt dem geneigten Betrachter ein: “Wow, ist das rot”. Denn es vergehen nur wenige Sekunden, bis die Schriften der Filmbeteiligten über den Bildschirm flimmern. Und im gleichen Moment klappt die Kinnlade ob des kräftigen Rottons runter. Witzig auch hier: Bis zur Tafel, auf der die Production Supervisor und -Manager abgebildet werden, ist das Korn statisch und beginnt sich erst dann analog zur Körnung im Hintergrund ebenfalls zu bewegen. Beginnt der Film dann, wird das Korn wunderbar filmisch, sehr fein und homogen – wenige Ausnahmen, in denen möglicherweise anderer Filmstock verwendet wurde (bspw. ab 15’20) fallen etwas aus dem Rahmen. Dennoch sieht der Film in Summe ganz wunderbar aus und lässt ganz viel Analogfeeling aufkommen. Auch die HDR-Implementierung gelingt prägnant. Die weißen Hemden der Bauern strahlen nach etwas über sieben Minuten (trotz der Schmutzbereiche) und auch das Weiße in Yul Brynners Augen wird leuchtend wiedergegeben. Dabei überstrahlt hier zu keiner Zeit etwas und die Schwarzwerte sind wunderbar satt. Während der wenigen Innenraumszenen sind die Kontrastflanken zwar etwas steiler, aber es kommt nie zu Versumpfungen. Was die Farben angeht, so gibt es jetzt keine Magentabetonung mehr. Die 4K-Disk neutralisiert das Bild und tendiert ein wenig ins Grünliche. Während der Himmel und die staubigen Wege neutral(er) abgebildet werden, werden Gesichter gleichzeitig kräftig braun dargestellt. Knallbunt geht’s hier aber nicht zu, eher farblich etwas reduziert, was der Natürlichkeit zugutekommt. Die Auflösung holt das Maximum aus der Vorlage heraus und zeigt feine Details auf den Westen der Protagonisten ebenso wie Kettenglieder oder die Munition an Chris’ Patronengürtel. Auch Brunners sanfte Fältchen um die Augen sind hervorragend zu erkennen. Allerdings ist es, wie oben aufgrund der verwendeten “Filter” beschrieben, nie maximal knackscharf.

Für die neue Blu-ray und 4K Blu-ray hat man beim Ton von Die glorreichen Sieben nun noch einmal ganz von vorn begonnen. Gearbeitet hat Capelight mit der deutschen Originaltonspur und hat davon ausgehend den 5.1-Mix komplett neu aufgebaut. Damit ist schon einmal gegeben, dass die Tonhöhe nun selbstverständlich korrekt vorliegt. Im Rahmen der Restaurierung hat man Hintergrundgeräusche zudem manuell etwas reduziert und Dialoge stabilisiert. Herausgekommen ist eine Tonspur, die man wesentlich besser hätte nicht implementieren und restaurieren können. Wenn man sich aber zunächst die deutsche 2.0-Mono-Tonspur anhört, liegen bereits dort Welten zwischen dieser und dem 5.1-Mix der alten Blu-ray. Denn die Stimmen sind, typisch für Filme aus der Zeit, zwar manchmal etwas metallisch (das hört man vor allem bei Brunners Synchro), aber was hier exemplarisch gut ist, sind die Tonalität und Ausgewogenheit. Dazu gibt’s kein Zischeln auf den S-Lauten, keine dumpfen Anflüge und kein Übersteuern, wenn mal ein Horst Buchholz “hörst du nicht?” brüllt. Selbiges gilt auch für den neuen Mehrkanalmix. Dieser ist nicht nur aufgrund der jetzt korrekten Tonhöhe um ein Vielfaches griffiger, lebendiger, atmosphärischer und ausgewogener als bisher. Auch in Sachen Dynamik geht’s hier ganz anders zu. Man nehme sich nur mal die zwei kurzen Schüsse bei 14’30 herum. Wer das mit dem alten Ton der BD vergleicht, wird fast vom Stuhl fallen, wie unterschiedlich das klingt. Und das gilt in der Folge für sämtliche Action- und Schuss-Momente. Auch das Hintergrundrauschen ist nun gleichmäßig. Es wurde auch nicht komplett herausgefiltert, was einen zu starken Eingriff bedeutet hätte. Allerdings hört man bei der alten 5.1-Fassung mehr schwankendes und komprimiertes Rauschen als authentisches Hintergrundrauschen. Ein kurzes Ohr in die 5.1-Fassung geworfen, gibt’s dort nicht nur mehr Dynamik, sondern auch Schussgeräusche, die man zuvor fast nicht wahrgenommen hat (37’36). Die Präsenz eines kurzen Pegelanstiegs wie bei 55’34 ist beängstigend besser als zuvor. An vielen Stellen gibt es jetzt auch erstmals LFE-Unterstützung, wo zuvor einfach nichts zu hören, bzw. zu spüren gewesen war (25’28 oder 90’50). Fallen Schüsse wie nach 32’23, werden auch diese griffig und recht dynamisch wiedergegeben. Sie zerreißen die Stille angemessen und verhallen hörbar in der Weite der Prärie. Die Schießerei nach 75 Minuten ist dann das erste Actionhighlight und liefert mitunter erstaunlich satte Schüsse aus den Gewehren. Die Musik hält sich zwar meist bewusst im Hintergrund, wird aber tonal gleichmäßig wiedergegeben und schwankt oder leiert nicht. Geht es um Atmosphäre, wie bei den Feierlichkeiten rund um die 50. Minute, ist es erstaunlich, wie räumlich auch der Mono-Ton wirken kann. Zudem wurden auch fehlende Geräusche neu integriert. Wer ganz genau hinhört, wird vielleicht eine dezente Filterung wahrnehmen, die aufgrund des Rauschens nötig war. Dies kann man dezent wahrnehmen, wenn es zwischen Dialogen und Atmosphäre wechselt und es eine kurze Akklimatisierung gibt.